Spis treści
Paul Gauguin (1848-1903) urodził się w Paryżu, gdzie ożenił się i został maklerem. Ale życie „zwykłego” człowieka nie trwało długo. Nagle, bez wyraźnego powodu, wziął do ręki pędzel i zaczął malować, aż w końcu jego twórcza natura ujawniła się w pełni.
Paul Gauguin rzucił pracę, zostawił żonę i wyjechał na Haiti, gdzie zaczął tworzyć dzieła sztuki. Choć współcześni nie traktowali jego twórczości poważnie, a krytycy i dziennikarze wręcz wyśmiewali go, kontynuował pracę.
Paul Gauguin na początku swojej drogi działał w potędze impresjonizmu, później przeszedł na syntetyzm i kloisonizm. W słynnych obrazach malowanych na Haiti artysta używa czystych i bardzo jasnych kolorów, a jego bohaterkami są półnagie dziewczyny przebywające w tropikach.
Paul Gauguin ma wiele obrazów, o których chciałbym mówić godzinami, ale na razie rzućmy okiem na najbardziej znane?
10 Drzewo na podwórku (1874)
Dzieło „Drzewo na podwórku” Paul Gauguin napisał w 1874 roku, jej styl określany jest jako impresjonizm (ten, w którym artysta pracował we wczesnych latach). Płótno przedstawia lato: prawie całe niebo jest „pokryte” chmurami i wygląda na to, że wkrótce będzie padać.
Impresjonizm przypomina drżenie liści, powiew wiatru, blask promieni słonecznych na tafli morza… Istotą kierunku, który wybrał Paul Gauguin, jest odzwierciedlenie zmieniającej się otaczającej rzeczywistości.
Artysta chciał „ożywić” swoje prace, wypełnić je zmieniającą się rzeczywistością. Trzeba powiedzieć, że słynny artysta odniósł sukces na obrazie „Drzewo na farmie”.
9. Pod drzewami mango na Martynice (1887)
Paul Gauguin w dzieciństwie pragnął egzotycznych miejsc i uważał cywilizację za „chorobę”. W 1891 roku, porzuciwszy żonę, wyjechał na Haiti, gdzie napisał najlepsze dzieła.
„Pod drzewami mango na Martynice” powstało spontanicznie. W 1887 roku artysta miał problemy finansowe, więc musiał wyjechać do Ameryki do pracy.
Wracając, słynny artysta zauważył Martinkę i nie mógł oprzeć się urokowi wyspy. Gdyby nie decyzja Paula Gauguina o zatrzymaniu się na tej wyspie, nie powstałaby seria niesamowitych dzieł!
Przez 4 miesiące na tej wyspie stworzył 12 obrazów. Szczególną uwagę na obrazie „Pod drzewami mango na Martynice” zwraca widoczny w oddali niebieski pasek – kolor ten symbolizuje spokój i wyciszenie.
8. Czy jesteś zazdrosny? (1892)
Obrazy powstałe w Oceanii niosą ze sobą ducha nieznanego, ale pociągającego estetycznie świata dla widza.. Gauguin bardzo zręcznie przekazał na swoich płótnach poczucie raju i całych ludzi. Są piękne, zdrowe i żyją w zgodzie z naturą.
Wystawa z 1893 r., na której obraz „Czy jesteś zazdrosny?” została zaprezentowana publiczności, wywołała u niej tylko śmiech. Gauguin był oskarżany o barbarzyństwo i anarchizm, ale artysta starał się być jak najbardziej szczery w swojej działalności artystycznej, gdy inni porzucali to, co zaczęli.
Zdjęcie doskonale oddaje błogość i spokój, jakie mają tahitańskie kobiety. "Czy jesteś zazdrosny?" została napisana podczas pierwszego pobytu Gauguina na Tahiti w 1982 roku.
7. Les Misérables (1888)
Autoportret poświęcony Vincentowi van Goghowi (1853-1890), namalowany przez Paula Gauguina na krótko przed jego przybyciem do Arles, jest rodzajem gry-konkurencji między artystami. Paul Gauguin odsyła widza do Jeana Valjeana, bohatera powieści Victora Hugo (1802-1885), byłego więźnia.
Jak można się już domyślić, jego los nie jest łatwy… Paul Gauguin lubił przedstawiać się jako namiętny buntownik, który nie potrafił odnaleźć się w społeczeństwie burżuazji. Dla wzmocnienia efektu przesunął twarz ze środka obrazu w lewo, przekraczając wszelkie tradycje malarstwa.
Dodatkowo część twarzy znajduje się w cieniu, a druga jest oświetlona przez słońce. Dla porównania: w tej technice wykonywania autoportretu odczytuje się podwójną naturę Paula Gauguina. Pewnie sam chciał o tym zasugerować.
6. Dzień Boskości (1894)
Paul Gauguin namalował Dzień bóstwa w 1984 roku, obecnie w Instytucie Sztuki w Chicago.. Oto oczywiste źródła inspiracji dla artysty. Tahitańskie kobiety ubrane są na biało – ich stroje przypominają egipskie tańczące figury. Wydają się unosić w powietrzu!
A bóstwo taaroa (środkowa część obrazu) jest przedstawione dokładnie zgodnie z mitami, którymi interesował się Gauguin. Trzy nagie postacie wydają się symbolizować stworzenie, a pozy mówią o przytłaczającej boskiej energii stojącego za nimi bóstwa.
Woda jest również atrakcyjna na zdjęciu – jest wypełniona formami amebowymi. Jest całkiem możliwe, że są to tylko formy mające na celu wypełnienie obrazu określonym nastrojem.
5. Gruszki i winogrona (1872)
Martwa natura „Gruszki i winogrona” – to pierwsza z prac Paula Gauguina w kolekcji francuskiego artysty. Naukowcy odnaleźli w tej pracy charakterystyczne cechy impresjonizmu, a także idealny wyraz plastyczności i dekoracyjności.
Płótno przedstawia niezwykle prosty motyw: owoce na stole. Gruszki błyszczą, a winogrona są soczyste i dojrzałe. Czuje się, że przestrzeń otaczająca owoc jest wypełniona światłem – „oddycha”, świeci!
Cała kompozycja jest impregnowana grudką nieważkiego podłoża. Artysta namalował ten obraz w duchu impresjonizmu, który był mu bardzo bliski.
4. Wizja po kazaniu (1888)
Po przeprowadzce na francuską prowincję i spędzeniu tam trochę czasu Paul Gauguin przekonywał, że miejscowa ludność jest naturalna i bardziej szczera, czego nie można powiedzieć o mieszkańcach stolicy. Zmierzona bretońska atmosfera stała się inspiracją do napisania Wizji po kazaniu..
Praca wyróżnia się niezwykłą kompozycją, wizualnie podzielona jest na 2 części: świat wyimaginowany i rzeczywisty. Gauguin przedstawia na płótnie modlących się ludzi na tle wyimaginowanej sceny – Jakub mocuje się z aniołem. Płótno jest podzielone drewnem na 2 części: dominują w nim głębokie, nasycone kolory.
Dla porównania: Paul Gauguin zapożyczył efekt separacji z japońskich rysunków, które również zainspirowały go do tworzenia postaci w procesie zapasów.
3. Bretońskie wieśniaczki (1886)
Na płótnie Paula Gauguina widzimy 4 bretońskie wieśniaczki ubrane w jasne garnitury.. Rozmawiają stojąc pod ścianą, aw tle widać farmera idącego w przeciwnym kierunku.
Na zdjęciu nie ma horyzontu – efekt ten jest odczuwalny za sprawą kobiety po prawej stronie – stoi ze spuszczoną głową. Pociągnięcia, którymi artysta rysuje, są swobodne, ale główne linie są ściśnięte, oddzielając formy i zwiększając nasycenie kolorów.
Ponadto białe kołnierzyki u kobiet, swobodnie zwisające we wszystkich kierunkach, służą jako akcenty.
2. Radość (1892)
To zdjęcie to wyimaginowane przez autora Haiti. Widział go takim. Z inną dziewczyną Tehomana siedzi pod drzewem i patrzy melancholijnie. Dziewczyna gra na flecie, co tworzy efekt wyciszenia.
W tle mężczyzna składa ofiary, oczywiście jest wierzący. Jednak to, co najbardziej rzuca się w oczy, to kolor. Obraz „Radość” Gauguina jest absolutnie harmonijny.
Paul Gauguin skomentował swoją pracę jako muzykę, którą tworzył kolorami i liniami. Artysta czerpał inspiracje z natury, bogatej w kolory i kształty.
1. Piękny anioł (1889)
Kobieta na płótnie – Maria Angelica Star, żona Majora, dla którego Gauguin wybrał niebieskie tło i obrysował je dookoła. Wygląda jak zdjęcie w lustrze. Po lewej stronie kobiety znajduje się peruwiańska mumia, część kolekcji matki Paula Gauguina.
Ubrania Angeliki tworzą poczucie egzotyki, co zdradza również jej twarz. Van Gogh zauważył, że kobieta patrzy na artystę jak jałówka.
Na ten komentarz Maria Angelica odpowiedziała: „Co za horror”, bo wszyscy uważali ją za najpiękniejszą dziewczynę w okolicy. Kiedy Gauguin skończył pracę i pokazał ją Mary, ta rzuciła mu portret w twarz.